María Veranes Sardiña ( La Habana, Cuba, 1956) es una cantautora española nacida en Cuba cuya carrera artística se desarrolló durante los años 70 en España consiguiendo varios éxitos. A principios de los 80 decidió retirarse y vive con su familia en el sur de Florida.
Biografía
Su familia salió de Cuba en 1959, justo antes de la Revolución,y a los tres años se trasladó a México, más tarde a Florida, Roma, y Madrid. Su madre le enseñó a tocar la guitarra y compuso su primera canción en Madrid, con trece años. En otoño de 1976 y con el nombre artístico de “María” lanzó su primer sencillo, Manuel, que tuvo como productores a Juan Carlos Calderón y a José Luis de Carlos. El sencillo se completó con Te irás, amor.
En 1977 publicó su segundo sencillo, Lo siento mucho, y La amiga de la luna, producido por Rafael Pérez-Botija y con arreglos de Martyn Ford y Rodrigo García, respectivamente. En 1978 apareció su tercer sencillo producido por Calderón, sus temas fueron Mi caradura y Sin tu amor. Mi caradura fue un gran éxito y se mantuvo por varias semanas como número uno de la canción pop en español. Se recopilaron los tres singles y con otros temas nuevos reeditaron el LP Día tras día incluyendo estas dos canciones en 1978.
En 1980 editó el sencillo Mi joven profesor de amor y Pensar en ti, producido por Calderón y con arreglos de José Luis de Carlos. Se retiró unos años para dedicarse al hijo que iba a tener. Reapareció en 1982 con el nombre artístico de María Veranes y el LP Yo soy así, con temas como Para ti, amor de José Luis Perales y Corazón vagabundo de Caetano Veloso. En 1983 editó el sencillo Será.
Participó en la comedia musical Lovy estrenada en Madrid en 1980 con la participación de Pablo Abraira, Teddy Bautista, Micky y otros.
En 1977 se casó con Francisco Pérez-Miravete Mille (hermano de Mari Trini).Reacia a las actuaciones, al mundo de la farándula y a las críticas adversas, se retiró a principios de los 80 y vive desde entonces en el Sur de Florida. Muy implicada socialmente, es madre de siete hijos, cinco de ellos adoptados. Como católica practicante está muy involucrada en el soporte de su comunidad religiosa, Amor Crucificado, con gran implantación en los Estados Unidos.
LaDonna Adrian Gaines (Boston, Massachusetts; 31 de diciembre de 1948-Naples, Florida; 17 de mayo de 2012), conocida por su nombre artístico Donna Summer, y apodada también como La Primera Dama del Amor,La Pantera de Boston,y La Reina de la Música Disco,fue una cantante, compositora, pianista, pintora y actriz estadounidense, mundialmente famosa por sus canciones de música disco durante los años 1970 y comienzos de los 80.
Ganó en cinco ocasiones los premios Grammy.A lo largo de su carrera vendió más de 150 millones de copias en todo el mundo, lo que la convierte en una de las cantantes con mayores ventas de todos los tiempos.
A lo largo de su carrerar logró amplio éxito con varios sencillos como «Last Dance», «Hot Stuff», «MacArthur Park», «On the Radio», «She Works Hard for the Money», «Love to Love you Baby», «I Feel Love», «This Time I Know It's for Real», «Bad Girls» y «No More Tears (Enough is Enough)», sencillo que lanzó con la cantante y actriz estadounidense Barbra Streisand.
Summer se involucró en el mundo de la música a través de los grupos del coro de su iglesia antes de unirse a una serie de bandas influenciadas por la Motown Sound. Influida por la contracultura de la década de 1960, se convirtió en la vocalista al frente de la banda de rock psicodélico Crow y se trasladó a la ciudad de Nueva York.
Inicialmente no tuvo el éxito esperado y se trasladó a Alemania, donde participó en teatro musical e inició su fructífera colaboración con el productor y DJ italiano Giorgio Moroder, clave en su éxito y precursor del género.Se casó con Helmut Sommer, de cuyo apellido derivó el nombre artístico Donna Summer.
En 2004 fue la primera artista incluida en el Salón de la Fama de la Música Dance, junto con Barry White y los Bee Gees.En 2013 fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Es considerada como La Reina de la Música Disco, título honorífico que comparte con la cantante Gloria Gaynor sin embargo, la lista de éxitos de Donna es más amplia y de mayor alcance.
Falleció por un cáncer de pulmón el 17 de mayo de 2012, en su casa de Naples, Florida.
Biografía
1948-1973: Infancia e inicios en la música
Summer nació el 31 de diciembre de 1948, en Boston, Massachusetts, hija de Andrew y Mary Gaines. Se crio en el barrio de Boston de Mission Hill junto a sus otros seis hermanos. Su padre era carnicero y su madre maestra de escuela. La madre de Summer dijo que ella antes de hablar, cantaba. Hizo su debut en la actuación con tan solo diez años en su iglesia sustituyendo a un vocalista que no se presentó. Summer recordó que mientras cantaba rompió a llorar, todos los que la rodeaban también lloraban y este fue un momento increíble en su vida: sintió que Dios le estaba diciendo que sería muy famosa.
Summer asistió a Boston's Jeremiah E. Burke High School donde actuó en musicales de dicha escuela y fue considerada muy popular en su clase. También fue algo alborotadora, asistiendo a fiestas, evitando que sus padres se enterasen de lo que ella hacía. En 1967, pocas semanas antes de graduarse, Summer se mudó a Nueva York, donde fue miembro de la banda musical de rock, Crow. Después de ser reconocidos como buenos cantantes por cada sello discográfico, decidieron separarse. Sin embargo, Summer siguió viviendo en Nueva York. Intentó obtener un papel en el musical Hair, pero no lo logró, pues fue elegida Melba Moore.
Por suerte, cuando el musical Hair giró por Europa, Donna fue elegida para reemplazar a Melba Moore. Se trasladó a Múnich, tras obtener la aprobación de sus padres. Fue allí donde Summer se convirtió en una bella cantante, cantando varias canciones en alemán. Además participó en los musicales Ich bin ich, Godspell y Show Boat. Después de tres años en Alemania se trasladó a Viena, Austria y se unió a la Volksoper de Viena. Recorrió brevemente con un grupo musical llamado FamilyTree, una creación del productor Guenter "Yogi" Lauke. En 1968, Summer sacó su primer sencillo en Polydor, una versión en alemán del musical Hair, titulado Wassermann (Aquarius)seguido en 1971 por un segundo single, llamado Sally Go 'Round the Roses junto a The Jaynetts. En 1972, se publicó su tercer sencillo If You Walkin' Alone.
1974-1979: Éxito musical y escándalo de Love to Love You Baby
Mientras cantaba como corista en una sesión de grabación en Múnich Musicland Studios para Three Dog Night, Summer se reunió con los productores Giorgio Moroder y Pete Bellote. El trío forjó una asociación de trabajo y empezaron a colaborar en canciones a partir de 1974. Una cinta de demostración de los trabajos de Summer con Moroder y Bellotte llevó a un acuerdo con el sello europeo Groovy Records. El sello publicó el primer álbum de Summer, Lady of The Night. El álbum se convirtió en un éxito mundial con las canciones The Hostage y Lady of The Night, que llegaron a ser número uno en países como Holanda y Bélgica.
A mediados de 1975, mientras trabajaba en un nuevo álbum, Summer colaboró para una canción que Moroder estaba trabajando para otro artista en el entonces naciente estilo discoteca: Love to Love You Baby. Más tarde, Summer dijo que se había imaginado que Marilyn Monroe cantaba esta canción.
Al grabar la canción Donna incluyó atrevidos jadeos y gemidos propios de un orgasmo y se cuenta que para grabarlos pidió un ambiente íntimo: apagar las luces del estudio. Esto hizo pensar que las sensaciones sugeridas en la canción eran reales; reseñas de la revista Time y de otros medios llegaron a cuantificar que la canción sumaba 23 orgasmos. Sin embargo, cuando preguntaron a Donna «si se había tocado» o estimulado durante la grabación, ella contestó: «¿Tocarme? Sí, una pierna».
Love to Love You Baby se lanzó inicialmente en Europa, pero varias emisoras la rechazaron por su erotismo y tuvo un éxito modesto. Por suerte, una copia llegó a Estados Unidos y cayó en manos de Neil Bogart, presidente de la firma Casablanca Records. Bogart, conocido por sus lujosas fiestas, puso a prueba la canción haciéndola sonar en una de sus celebraciones; la reacción de los invitados fue tan entusiasta, que reclamaron que sonase una y otra vez. El directivo se puso en contacto con Moroder y Summer, anunciándoles que lanzaría la canción pero que necesitaba una versión extensa para el baile en discotecas. Recibió una versión de 17 minutos de duración, que no cabía en un disco de vinilo de tamaño sencillo y que tuvo que editarse en otro de 12 pulgadas: el maxi-sencillo, formato del que Donna Summer resultó ser pionera.
A principios de 1976, Love to Love You Baby alcanzó el puesto N.º 2 en los Billboard Hot 100 de los Estados Unidos, mientras que el álbum del mismo nombre, vendió más de un millón de copias. Llegó a ser el Top 5 en Reino Unido, a pesar de su prohibición en la BBC.
En 1977 Donna Summer publicó I Remember Yesterday, un álbum conceptual que incluyó como canción estelar "I Feel Love"; este tema llegó al top 6 en las listas estadounidenses. La insistencia en temas de amor o sexo —los títulos de varias de sus canciones incluían la palabra "love"— motivó que Summer fuese apodada «la Primera Dama del Amor», lo que no era de su agrado. Por su belleza y por las sugerencias de sus canciones, Donna transmitía una imagen seductora y provocativa que no reflejaba su carácter real, más bien discreto. Sus canciones reinaban en las pistas de baile y se asociaban al desenfreno nocturno de clubes como Studio 54, pero ella siempre moderaba su vida social y rara vez trasnochaba. Esta fue la época dorada de la música disco; Donna desplazó a Gloria Gaynor quien, hasta ese entonces, ostentaba el título de "la reina de las discotecas".
Muy productiva, en el mismo año 1977, la cantante publicó un álbum doble inspirado en el mito de Cenicienta, Once Upon A Time, combinando baladas y ritmos bailables con sonido orquestal. Al año siguiente lanzó una versión rítmica de la balada MacArthur Park, que había sido dada a conocer por el actor y cantante Richard Harris. La canción fue el primer "top 1" de Donna en Estados Unidos y pertenecía a su primer álbum grabado en directo, Live and More, que llegó a ser disco de platino en dicho país al vender un millón de copias.
En 1978, participó como actriz en la película musical Thank God it's Friday (Gracias a Dios, es viernes) cuyo tema principal, Last Dance, era interpretado por ella y se convirtió en otro gran éxito en la radio; además, ganó el premio Óscar a la mejor canción. Donna apareció en la ceremonia de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias e interpretó el tema de manera magistral. También recibió un premio Grammy.
En 1979, proclamado Año del Niño, la cantante participó en el concierto Music for UNICEF junto a estrellas como ABBA, Olivia Newton-John, Bee Gees y Rod Stewart; se codeaba con los más grandes. Pero no disfrutaba plenamente de tanto éxito: cayó en etapas de ansiedad y depresión que le llevaron a consumir tranquilizantes y otras medicamentos adictivos. Terminó su organismo por necesitarlos para su vida normal y tuvo que recibir tratamientos de desintoxicación.
Después lanzó, siguiendo su colaboración con Moroder y Bellotte, el álbum Bad Girls alusivo al mundo de la prostitución. Incluía la canción del mismo título, compuesta por el grupo Brooklyn Dreams y la propia Donna. Se cuenta que Neil Bogart quiso ofrecer esta canción a Cher, a lo que Donna se negó insistiendo en grabarla ella. El álbum incluyó otro éxito de tema igualmente provocativo: Hot Stuff (canción que en los años 90 sería incluida en la exitosa comedia The Full Monty). Mención especial merece el hecho de que Donna se convirtió en su propia competidora ya que tanto Bad Girls como Hot Stuff se peleaban por el primer lugar en el «top 5» en los Estados Unidos.
Luego gana su segundo premio Grammy y en 1979 hace un insólito dueto con Barbra Streissand cantando (No More Tears) Enough is Enough; una rara incursión de Barbra en el género disco, que se incluyó también en el álbum Wet de Barbra. Este tema también se editó en "maxi-single" y fue un duelo maravilloso de voces de las dos reinas que se ubicó en el primer lugar de las listas. Con el tiempo fue reconocido el dueto interpretativo por la comunidad "gay" como un símbolo del orgullo en sus celebraciones anuales .
Con estos éxitos, la Summer alcanzó el inusual récord de ocho éxitos "top 5" en un plazo de apenas dos años. En 1979, lanzó su primer recopilatorio para el que aportó la nueva canción, On The Radio, cuya letra citaba el reciente éxito Love Is In The Air de John Paul Young; este álbum doble llegó al número uno y la canción repitió el triunfo de entrar en el "top 5".
1980-1984: Ruptura con Casablanca Records y Del género dance al pop
En 1980 Donna Summer rompió su relación con Casablanca Records debido a discrepancias sobre el estilo musical que quería desarrollar en el futuro. A finales de los 70, la música disco caía en el descrédito por la saturación, y hubo gente que llegó a manifestarse destruyendo montones de maxi-singles con máquinas apisonadoras. Por otro lado, Donna renegaba de sus éxitos más sensuales, como Love to Love You Baby. Cuentan que se retiró de la vida nocturna propia del espectáculo y adoptó un fervor religioso casi puritano.
Firmó contrato con Geffen Records, nuevo sello fundado por David Geffen, y lanzó el álbum The Wanderer, ya con influencias de la new wave y el rock al modo de Pat Benatar. La canción del mismo título llegó al "top 3" en Estados Unidos y el álbum alcanzó por ventas un disco de oro, pero sus resultados en el Reino Unido fueron inferiores. Luego, se preparó un segundo álbum, I'm a Rainbow, pero la compañía no llegó a lanzarlo por temor a un fracaso comercial y lo archivó (vería la luz en 1996). Algunas de sus canciones (como Romeo) llegarían a aparecer en películas como Flashdance.
Summer rompió su relación de años con Giorgio Moroder, y Geffen reclutó como productor al prestigioso Quincy Jones, quien se hizo muy célebre poco después por el éxito Thriller de Michael Jackson. La colaboración entre Donna y Quincy Jones dio como resultado el álbum Donna Summer, con canciones como Love Is in Control ("top 10" en las listas estadounidenses) y State of Independence.
Pero surgió un nuevo conflicto: la compañía PolyGram, propietaria del sello Casablanca, reclamaba a Donna la grabación de un nuevo álbum a fin de liquidar su viejo contrato. La respuesta a tal demanda fue el álbum She Works Hard for the Money (1983), cuyo tema del mismo título (que en español significa: 'ella trabaja duro por dinero') llegó al "top 3", en parte gracias a un video musical que se hizo sumamente popular, en el que Donna encarnaba a una camarera humillada que tiene que seguir trabajando para subsistir. En un coqueteo con el género reggae, el disco incluía Unconditional Love, canción grabada en colaboración con el grupo Musical Youth.
Liberada ya de su relación con Casablanca Records y PolyGram, Donna Summer lanzó en 1984 el álbum Cats Without Claws; un relativo fracaso al ser el primero que no llegaba al Disco de Oro por primera vez desde su debut diez años atrás. El estancamiento comercial de la cantante se agravó con su siguiente lanzamiento, All Systems Go (1987); el sencillo Dinner with Gershwin (homenaje al famoso compositor George Gershwin) tuvo un resultado discreto, y la canción All Systems Go ni llegó a lanzarse en Estados Unidos, conformándose en el Reino Unido con el puesto 54 en las listas. Las dificultades de Summer aumentaron cuando se vio envuelta en una polémica periodística: se le atribuyeron unas declaraciones antihomosexuales relativas al sida que provocaron un alud de críticas. La cantante insistió en la falsedad de tales afirmaciones y aclaró que ella respetaba la forma de vida de personas como los homosexuales.
Con Stock, Aitken y Waterman
A fin de relanzar la carrera de Donna, Geffen Records llamó a los productores ingleses Stock, Aitken y Waterman (SAW), entonces de moda. Ellos habían lanzado al estrellato a Kylie Minogue, Rick Astley, Samantha Fox y otras figuras juveniles, y además, mediante estribillos pegadizos y ritmos bailables, reflotaron a viejas glorias como Bananarama y Cliff Richard. Se les consideraba infalibles como creadores de éxitos bailables, e incluso la italiana Sabrina Salerno recurrió a ellos para afianzarse comercialmente.
La alianza entre Summer y el trío SAW fructificó con el álbum Another Place and Time, cuyos principales éxitos fueron This Time I Know It's for Real y I Don't Wanna Get Hurt. Fue un lanzamiento muy accidentado: Geeffen Records se negó a publicarlo, lo que desembocó en la ruptura de su contrato con la cantante. El disco no vio la luz inicialmente en Estados Unidos sino en Europa gracias a la empresa Warner, habitual distribuidora de Donna Summer en dicho continente. El primer sencillo alcanzó buenas posiciones en las listas europeas, por lo cual la Warner decidió distribuir el álbum en Estados Unidos por medio de su filial Atlantic Records. Fue una astuta jugada, ya que las ventas fueron muy buenas y This Time I Know It's for Real terminó siendo el 12º "single" de oro en la carrera de la cantante.
Posteriormente, y dado el éxito del disco, Donna vuelve a grabar con los mismos productores británicos un segundo álbum, If I Have To Stand Alone, con canciones muy bailables y escritas pensando exclusivamente en ella. Desgraciadamente, el disco no vio la luz debido a discrepancias con su empresa. Algunas de sus canciones fueron Beyond Your Wildest Dreams, If I Have To Stand Alone, Happenin' All Over Again y That's No Reason. Posteriormente, este repertorio fue regrabado por Lonnie Gordon y llega a ser un nuevo "hit" de superventas en 1990 y 1991 para desesperación de los fanes de Donna.
Década de 1990
Durante la década de los 90, Donna Summer lanzó algunas canciones inéditas como Carry On, que supuso su reencuentro con Giorgio Moroder; una remezcla de esta canción en 1997 significó otro premio Grammy en la carrera de la cantante. En 1990 y 1993, se publicaron dos recopilaciones de sus éxitos y, en 1991, Donna se atrevió con el sonido new jack swing publicando el álbum Mistaken Identity. En 1994 se acercó al gospel con el disco navideño Christmas Spirit. Ese mismo año se presentó en el XXXV Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar.
En 1996, participó en el álbum Gently de Liza Minnelli, cantando a dúo Does He Love You.
Ya en 1999, protagonizó un recital para el canal de televisión VH1 cuyo título (Donna Summer - Live and More Encore) aludía a su primer disco en directo grabado dos décadas antes (Live and More). Del recital se publicó un álbum con dos canciones extra, grabadas en estudio. La primera de ellas dio a Donna un nuevo éxito: I Will Go With You, una versión bailable de la balada de corte operístico Con te partirò, dada a conocer por Andrea Bocelli y Sarah Brightman. La segunda canción, ya entre el estilo música disco y el house, fue Love Is the Healer. El álbum relanzó a Donna Summer a las listas de ventas. La crítica elogió su buen estado de forma a pesar de su edad madura; su voz seguía sonando con fuerza. En esa época, se comentó que se preparaba un musical sobre la vida de la cantante (My Life), un proyecto que finalmente no logró hacerse realidad.
Donna Summer participó esporádicamente en televisión; en 1994 y 1997 asistió a varios capítulos de la serie estadounidense Cosas de casa donde interpretaba a la tía Oona.
2000-2012: Relativo silencio y reaparición
Ante el éxito de 1999 se habló de que este repunte comercial era el inicio de una reaparición más duradera, con nuevos álbumes, si bien el siguiente se demoró hasta 2008, cuando Summer publicó Crayons, en el que experimentaba con ritmos latinoamericanos. En 2011 lanzó la canción To Paris with Love, que resultaría ser la última.
En 2011, se comentó que Donna estaba trabajando en grabar a dúo una canción junto a la española Soraya Arnelas: You´ve Got The Music, que iría incluida en el nuevo disco de la extremeña (Dreamer). Sin embargo, el álbum ya publicado no incluyó dicho dueto y la mencionada canción fue interpretada enteramente por Soraya.
Muerte
El 17 de mayo de 2012, Summer murió por la mañana, en su casa en Naples, Florida a la edad de 63 años, después de ser diagnosticada de cáncer de pulmón, que no estaba relacionado con el tabaquismo.
Se cree que el desarrollo de su enfermedad fue causado por la inhalación de partículas tóxicas tras los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001, en Nueva York.Pero la causa podía ser otra: como ya ocurrió con otros pintores en todo el mundo, no se descarta que el cáncer fuese debido a la inhalación de los gases de los óleos que Donna empleaba para pintar; una de sus aficiones menos conocidas.
A Summer la sobreviven su esposo, Bruce Sudano, y sus hijos, Brooklyn, Amanda y Mimi. Su funeral se celebró en Nashville, Tennessee, el 23 de mayo de 2012, y fue enterrada en Harpeth Hills.
Vida personal
Se casó con el actor alemán Helmuth Sommer en 1972, durante su estancia en Viena y al año siguiente tuvieron una hija llamada Mimi Sommer. Los Sommer se divorciaron en 1975 por problemas de violencia entre Helmuth y Donna. Pese a ello, la artista conservó su apellido de casada, pero sustituyó la letra "o" por la "u" y convirtió su apellido en Summer.
Donna conoció al músico estadounidense Bruce Sudano en 1978 cuando él era miembro del grupo Brooklyn Dreams (compusieron juntos el éxito "Bad Girls") y se casaron dos años después. Tuvieron dos hijos Brooklyn y Amanda Sudano y el matrimonio siguió unido hasta el fallecimiento de la cantante en 2012.
En 1994 Donna inició una vida más discreta; se mudó con su familia de Los Ángeles a Nashville, y se volcó hacia la pintura. Fue una consumada artista y llegó a exponer en Japón, apoyada por Steven Spielberg.
Donna Summer se convirtió en una mujer con muchas cualidades según su familia, era pintora, cantante, productora, actriz y escritora. Escribió dos libros ya publicados, y además se hizo socia y productora en la compañía cinematográfica Warner Bros., con quienes produjo dos series cómicas distintas.
Legado
La influencia de Donna Summer en la música pop y dance actuales es innegable, tanto por el sonido acuñado por su productor Giorgio Moroder como por su exuberante imagen, con una puesta en escena y vestuario que marcaron tendencia en los años 70, una época ahora recordada con nostalgia y periódicamente recreada por la moda.
Canciones suyas como I Feel Love han sido interpretadas en directo por Kylie Minogue, Blondie y John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers. Con respecto a Minogue, el tema homónimo de su álbum de 2000 Light Years, toma inspiración en la canción I Feel Love. Se replican fragmentos (samples) de sus canciones en canciones nuevas de Beyoncé (Naughty Girl se inspiró en Love To Love You Baby) y Madonna (cuya canción Future Lovers incluye un fragmento de I Feel Love) y de la cantante Dua Lipa en su canción "Physical" ya que contiene un pequeño sample y sigue casi las mismas pistas de música disco del sencillo de Donna en su canción "«She Works Hard for the Money".
En el ámbito hispano cabe destacar Fuego de pasión, canción de la española Mónica Naranjo, que es una versión adaptada por ella del gran éxito de Donna Love's About to Change My Heart. Igualmente, los Pet Shop Boys han admitido haberse inspirado en I Feel Love para crear su éxito So Hard del álbum Behaviour de 1990.
Discografía
Álbumes de estudio
1974 Lady of the Night
1975 Love to Love You Baby
1976 A Love Trilogy
1976 Four Seasons of Love
1977 I Remember Yesterday
1977 Once Upon a Time
1979 Bad Girls
1980 The Wanderer
1981 I'm a Rainbow
1982 Donna Summer
1983 She Works Hard for the Money
1984 Cats Without Claws
1987 All Systems Go
1989 Another Place and Time
1991 Mistaken Identity
1994 Christmas Spirit
1999 Love Parade 12" / (Contribución con Westbam & Dr. Motte) / Music is the Key
Luisa María Güell nació en la Habana, Cuba un 20 de Diciembre de 1944. Es cantante, actriz, y compositora.
Estudió en la Academia de Arte Dramático, Escuela de Arte Cubanacán, y locución, en el Instituto Abraham Lincoln, y en el Instituto de
la Alianza Francesa; baile español. Comenzó en el mundo del espectáculo a los 5 años.
Desde sus comienzos en la radio y televisión cubana obtuvo un éxito total del primer disco editado en Cuba “No tengo edad para amar” “Y digo no” (1965). Además “En tu motoneta”, son algunos de sus éxitos en toda la Isla.
Como actriz, hizo “Papaito Piernas largas”; Como actriz, hizo en Cuba “Papaito piernas largas” (Armando Bianchi como Papaito); “Cumbres Borrascosas”; “El Zoológico de Cristal”; “La posada Jamaica” (como protagonista de esta telenovela). En teatro trabajó en: “El Remero Respetuoso” con Jorge País, de Arturo Liendo; “Tierra Baja”; “El Bello Antonio”, con Roberto Cazorla; “La bella y el gorila” (de Rine Leal); en cine protagonizó “El Huésped” de Eduardo Manet, junto a Enrique Almirante y Raquel Revuelta.
Llegó al exilio en 1968 a España, después de ser castigada por el gobierno represivo de los Castro cuando ella tuvo que salir del país, separada de su profesión y enviada a hacer trabajos forzados en la agricultura. Recién a su exilio en España, conoció al compositor Manuel Alejandro quien entre doscientas cantantes la escogió para que interpretara su canción “Ya no me vuelvo a enamorar” en el “Festival Internacional de la Canción de Málaga”, donde representó a España ganándole a Inglaterra y Francia y convirtiendose el tema en No 1.en
toda Latinoamérica.En Francia obtuvo “La Medalla de Oro Edith Piaf” “Le Grand Prix Edith Piaf” otorgado por la Asociación Edith Piaf y la SACEM (Sociedad de Compositores y Autores de Música) y el Premio de Interpretación en el Festival “Grand Prix de París Internacional de la Chanson”.
Ha hecho presentaciones en toda Suramérica, obteniendo el “Premio Voz y Canción” en Puerto Rico, y Premios por Mejor Show, actuación, ”ACE”, ”ACRIN”, “ACCA” y ”Aplauso 92″ como mejor intérprete popular.
Radica en Miami a partir de 1984, donde ha realizado múltiples conciertos en el “Dade County Auditorium”, presentándose con sus músicos y también con la “Orquesta de Cámara de la Florida, en el “Town Hall” en New York. “Un Homenaje a Edith Piaf” de María Julia Casanova y “Piaf” de Pancho Pizzi, fueron dos obras que interpretarán en varios teatros en USA. Ha recibido las llaves de la ciudad, proclama y celebración por sus actuaciones en múltiples ocasiones.
Ha editado más de 27 discos y sencillos ganando “Discos de Oro” de los cuales han sido No.1 en toda Latinoamérica. Fue nominada al “Latin Grammy 2007” por su álbum “Luisa Maria Güell UNA”.
Premios
Premio de Edih Piaf Medalla de Oro por la canción “Miedo Tengo”.
Premio por primera vez concedido a una cantante no-francesa.
Premio COMO MEJOR INTERPRETE.
Premio Festival Internacional de Málaga. ESPAÑA “Ya no me vuelvo a enamorar”.
Premio Festival de la voz y la Canción.PUERTO RICO
Premio “ACE” por “Trayectoria Artistica Extraordinaria”.Estados Unidos de América.
Premio “REINA DORADA”. México:
Premio EN COMPAÑÍA DE MUJERES'. Estados Unidos de América. 2001.
Premios ACRIN, ACCA. CHIN DE PLATA. Estados Unidos de America
Se ha presentado con gran éxito en espectáculos de tangos y poemas, donde rinde tributo a Libertad Lamarque, Carlos Gardel y Tita Merello. Adiciona ademas poemas de Reinaldo Arenas, Armando Valladares, Octavio Paz, Federico García Lorca, Alfonsina Storni .José Martí, y Sor Juana Ines de la Cruz.
Discografía
Su discografía comprende actualmente un total de 23 obras entre las que se encuentran:
Baltimora fue un proyecto musical italiano de italo disco, asociado a Jimmy McShane (23 de mayo de 1957, Derry, Irlanda del Norte, Reino Unido - 29 de marzo de 1995, Ibídem), un cantante y bailarín norirlandés, muy popular en los años ochenta gracias al sencillo "Tarzan Boy".
Los otros componentes del grupo fueron Maurizio Bassi, Giorgio Cocilovo, Claudio Bazzari, Pier Michelatti y Gabriele "Lele" Melotti.
Un dato interesante y prácticamente desconocido es que en realidad Maurizio Bassi fue el que grabó la voz principal del hit “Tarzan Boy”, con Silver Pozzolli en los coros, aunque McShane fue el que brindó su imagen y sincronización de labios en las presentaciones en vivo y en su respectivo vídeo.
Bassi, además era el líder intelectual, y fue el principal compositor de las canciones de Baltimora, junto con su compañera Naimy Hackett. McShane se acreditó en sólo unas cuantas piezas, en particular la balada "Survivor in Love".
A pesar de ello, siempre ha existido alguna discrepancia y confusión sobre si "Baltimora" era el nombre del grupo como tal (aunque con cierto anonimato), o si era el pseudónimo asociado a la persona y figura del único integrante visible, Jimmy McShane. La versión más aceptada entre los italianos es que Baltimora era un grupo y no un solista.
En Estados Unidos y el Reino Unido, "Tarzan Boy" de Baltimora es considerado como un "one-hit wonder" (en español: Maravilla de un éxito). En total publicaron dos álbumes de estudio, ocho sencillos y cuatro vídeos musicales.
Historia
Inicios
Se conoce poco de la actividad de este proyecto, Baltimora, debido a su fugaz aparición en el espectáculo.
A principios de 1984, Maurizio Bassi, un productor musical y músico de algunos actos en Italia, fue en busca de un nuevo proyecto artístico. Se encontró con Jimmy McShane, un técnico de emergencias médicas (EMT en inglés) quien trabajaba para la Cruz Roja en Irlanda del Norte, conocido como "Rubí" en la comunidad gay local.
Le propusieron su proyecto y grabaron algunas voces con la finalidad de que fuera el líder visual del grupo, debido a su apariencia escuálida y a su gran talento con el baile. McShane se caracterizó por su ropa extravagante y holgada, por tener varios estilos de pelo y portar grandes gafas de montura roja.
También reclutó a otros músicos para grabar las canciones que eventualmente aparecen en los álbumes Living in the Background (1985) y el segundo y definitivo Survivor in Love (1987).
Living in the Background (1985)
Baltimora hizo la primera aparición musical a mediados de 1985 cuando estrenan su primer disco llamado Living in the Background. McShane supuestamente realizó la voz principal, aunque existe cierta controversia en torno a quién fue el cantante real. Mientras tanto, las canciones fueron escritas íntegramente en este trabajo por el dúo de Maurizio Bassi y Naimy Hackett.
Es un álbum breve, originalmente de apenas 6 canciones y ha sido lanzado con al menos tres portadas diferentes: la más conocida es con McShane en el aire. El disco también se ha vuelto a publicar en diversas formas y con otros temas adicionales, aunque ninguna de estas versiones diferentes parece correlacionarse con ninguna en particular, ni siquiera en sus cubiertas.
Living in the Background contiene el gran hit "Tarzan Boy", un definitivo éxito de la escena synthpop ochentera. Este hit fue distribuido por la compañía EMI en Estados Unidos y acabó alcanzando el puesto número 13, llegando a mantenerse entre los 100 primeros puestos del ranking durante 6 meses. El sencillo vino acompañado de un colorista vídeoclip que usaba una estética cercana al cómic. McShane era gay y se cree que Tarzan Boy habla lo propio de su homosexualidad.
"Living in the Background" fue el segundo sencillo del disco que lleva su nombre, y pretendió seguir el mismo camino de su antecesor, lanzado sólo unos meses antes. Sin embargo, para su sorpresa fue un rotundo fracaso comercial. No ingresó a ninguna lista importante en Europa, y en Estados Unidos fue su último ingreso en Billboard, alcanzado un discreto número 87.
Este álbum incluyó otros singles interesantes y que también tenían algún contenido humorístico, como "Woody Boogie". Por último, se lanzó "Juke Box Boy", un bonus track incluido en una edición canadiense del disco en 1986.
Survivor in Love (1987)
En 1987 Baltimora puso a la venta un nuevo álbum para el mercado italiano llamado Survivor in Love, con un sonido un poco más maduro y del que se extrajeron cuatro singles. Es un trabajo algo más extenso que su predecesor, con 8 canciones nuevas y de estilos más diversos.
Posteriormente, el álbum fue lanzado solamente en algunos países más, como Alemania, Reino Unido, Japón y México. Más tarde fue re-lanzado en 2003 en formato de CD a muchos más países, incluyendo Estados Unidos y Canadá, apovechando cierto renacimiento de la música dance y debido a la solicitud de fanes que no lo recibieron en sus países. La razón para no publicarlo de una forma más masiva en 1987, fue motivada por las escasas ventas de los sencillos de Living in the Background, con la única y notable excepción de "Tarzan Boy".
El primer sencillo extraído de Survivor in Love fue "Key Key Karimba", promocionado con el vídeo mejor realizado por el grupo, y el que sería su último audiovisual.
El segundo sencillo es la canción que da título al disco "Survivor in Love", una balada de amor radicalmente distinta al resto del repertorio bailable de Baltimora y escrita por el propio McShane. Por último, aparecieron dos temas aún más intrascendetes: "Global Love", un dúo del norirlandés con la prácticamemte desconocida cantante Linda Wesley y finalmente, "Call Me in the Heart of the Night".
A pesar de las expectativas y debido al escaso apoyo de la discográfica en su promoción internacional, este trabajo pasó en general bastante desapercibido: fue el segundo disco y el último en la carrera de Baltimora.
Baltimora se separa
Después del lanzamiento de Survivor in Love, sin ayuda de la etiqueta para producir un siguiente trabajo y sumado al escaso éxito que representaban, su líder Maurizio Bassi decidió que era hora de pasar a otros proyectos, y se disolvió Baltimora, aunque de Bassi no volvió a saberse nada más.
El sencillo "Tarzan Boy" se recuperó en el Billboard Hot 100 en marzo de 1993 como un remix, llegando al # 51, en el momento de su aparición en un comercial de Listerine así como también en un comercial de autos Daewoo a principios de los 90s. La canción también apareció en las películas de Teenage Mutant Ninja Turtles III (1993) y Beverly Hills Ninja (1997).
McShane falleció el 29 de marzo de 1995, víctima del virus del VIH/SIDA.
Con posterioridad su música ha sido utilizada en un spot publicitario de Coca-Cola Light.
Jimmy McShane
Algo más conocida es la biografía del propio Jimmy McShane, la cara y voz de Baltimora. Nació el 23 de mayo de 1957, en Londonderry, Irlanda del Norte, Reino Unido.
Desde joven aprendió a tocar el bajo y la guitarra, y mostró gran habilidad para el baile. Hizo su debut tocando en pequeños locales de su ciudad natal y se presentó ante varias audiencias, sin tener gran éxito. Provenía de una familia humilde y conservadora, por lo que debió lidiar con el rechazo de su familia cuando les dijo que era gay.
En vista de su poco éxito artístico, decidió trabajar como técnico de emergencias médicas para la Cruz Roja en Irlanda del Norte.
No se conoce con precisión como fue su encuentro con la autora Naimy Hackett y el compositor Maurizio Bassi, hecho que fue crucial para su carrera en el medio. Después de algunos ensayos, decidieron llevar a cabo el proyecto musical al que denominaron Baltimora.
McShane se presentó con una banda prácticamente anónima ante el público con la canción "Tarzan Boy", que en 1985 se convirtió en el gran éxito de la temporada y ganó mucho reconocimiento en la cúspide de los rankings europeos, especialmente el italiano y el británico. Ese año participó en los festivales de música más grandes de Europa y en algunas presentaciones en Estados Unidos.
El éxito le abrumó en los Estados Unidos, donde la única escala en listas fue "Tarzan Boy", gracias a la posterior inclusión en 3 comerciales y después en la película Teenage Mutant Ninja Turtles III (1993). Sin embargo, la incapacidad de ofrecer un tema innovador y comparable al éxito anterior, lo llevó a desaparecer de la escena musical, sin tener mayores noticias sobre su actividad personal hasta su muerte.
En 1994, decidió instalarse definitivamente en Milán, donde fue diagnosticado con el virus del VIH/SIDA, a la cual sólo sobrevivió unos cuantos meses. Regresó a Irlanda del Norte, donde decidió pasar los últimos meses de su vida.
Murió en su natal Londonderry el 29 de marzo de 1995, a la prematura edad de 37 años. Un portavoz de la familia emitió la siguiente declaración después de su muerte: "Él se enfrentó a su enfermedad con valentía y murió con gran dignidad".
En el centro de Derry recibió una placa conmemorativa.
Los Kjarkas es un conjunto de música folclórica originado en Capinota, Cochabamba, Bolivia. Fue fundado el 23 de junio de 1971 por los hermanos Wilson Hermosa, Gonzalo Hermosa, Castel Hermosa y Edgar Villaroel. Alcanzaron popularidad nacional e internacional junto a los compositores: Ulises Hermosa, Élmer Hermosa, Edgar Villaroel, Gastón Guardia y Guillermo Ponce.
Origen del nombre
El nombre significa "kjarka = áspero, sin afinar". Así se sentía el grupo en sus comienzos; buscaron establecer una comparación entre un instrumento sin ajustar y la situación inicial del conjunto musical.
Historia
En principio Los Kjarkas surgió como una necesidad económica para sus integrantes, yendo de pueblo en pueblo tocando zamba argentina, pues la música autóctona de Bolivia aun no tenía demasiada repercusión. Sin embargo, poco a poco, diversas peñas comenzaron a hacer énfasis en ritmos más propios del país como la cueca, huayño o bailecito de compositores como Simeón Roncal, Gilberto Rojas o Teófilo Vargas. Es en estos años cuando Los Kjarkas toman parte en esa transformación y forjan sus cimientos musicales que más tarde les darían éxito.
Tras esos inicios, los integrantes abandonan el grupo y Gonzalo Hermosa refunda el grupo con los músicos Eddy Carpio, Antonio Canelas y Alcides Mejía, y durante más de 10 años Los Kjarkas se van perfeccionando en la composición e interpretación de la música andina. Se presentan en La Paz por primera vez en 1975 tras tocar en fiestas privadas. Ese mismo año representaron a su país en el festival de música folklórica de Brasil.
Fue a través de José “Danger” Salamanca que Alcides Mejia conoció a los hermanos Hermosa: Elmer, Ulises y Gonzalo. Los hermanos mayores Wilson, Castel, Gonzalo y Edgar, integraban el grupo Kjarkas inicial, los que regresando de su viaje a Chile, decidieron deshacer Kjarkas, quedando desarticulados por mucho tiempo. Alcides fue participante y Co-Fundador de la 1ra Restructuración de Kjarkas, en el año 1974 junto Ulises y Elmer. Con ellos comenzaron a ensayar composiciones y temas tradicionales del repertorio, para las presentaciones y la grabación del su 1er Disco, el que grabarían recién en enero de 1976
Alcides Mejia introdujo los instrumentos de viento al grupo Kjarkas, el cual solo constaba de voces y guitarra, interpretando sobre todo un repertorio de zamba argentina. Grabación 1er Disco de KJARKAS sello Heriba, La Paz, Bolivia, enero de 1976
Integrantes: Ulises Hermosa, Élmer Hermosa, Alcides Mejia, José Antonio Canelas y Edgar Villarroel. Terminada la grabación, Alcides Mejia dejó el grupo por un desacuerdo con Ulises y Elmer basado en la voluntad de éstos de continuar con sus estudios.
En el año 1976 publican en México su primer álbum “Bolivia” con el sello discográfico Heriba. Consta de 9 canciones, casi todas ellas compuestas por Gonzalo Hermosa, entre las cuales se encuentra “Bolivia”, canción que alcanzó gran popularidad.
Con el éxito ya ganado el grupo se nutre de otros dos hermanos Hermosa: Ulises y Élmer, Toño Canelas, Gastón Guardia, Guillermo Ponce y Édgar Villarroel (homónimo del fundador).
En 1977 llega el segundo álbum “Sueño milenario de los Andes” con canciones de raíces folklóricas. De la misma manera 1979 el disco "Kutimuy" sale a la luz destacando el tema que lleva el mismo nombre, iniciando la nueva generación y renacer de los kjarkas de la mano de Élmer Hermosa, Julio Lavayen, Ulises Hermosa y Gastón Guardia. El grupo se fue haciendo más popular, organizando giras no sólo por Bolivia, sino por toda Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Japón.
En 1980 publican “Cóndor Mallku”. El disco incluye canciones de índole románticas, marcando un alejamiento del folklore tradicional.
En 1981 con el disco "Canto a la mujer de mi pueblo" llegan las canciones más icónicas y populares de la agrupación como "Wayayay" y «Llorando se fue» teniendo como participación en el charango a Gonzalo Hermosa, debido al alejamiento de Julio Lavayen. Tiempo después se reincorpora al grupo Julio Lavayen en el Charango, Ramiro de la Zerda en guitarra y Raúl Muriel en los instrumentos de viento en el álbum “Desde el alma de mi pueblo”, con participación en la canción "Sunchu t'ikitay".
En 1984 Los Kjarkas fueron invitados al X Festival de Música Popular de Japón donde competían más de 1800 canciones de todo el mundo para el primer premio. La composición de Ulises Hermosa “Florcita azul” quedó en el décimo lugar. Este evento abrió a Los Kjarkas al mercado japonés.
A finales de los 80 un incidente dio a Los Kjarkas una fama y repercusión mundial mayor. El grupo Kaoma lanzó la canción «Chorando se foi», o la «Lambada», que se bailaba a ritmo caribeño. La canción resultó ser un plagio de «Llorando se fue», la composición de Ulises Hermosa, editada en 1984 a ritmo de saya caporal. Esta canción estaba registrada en Alemania y por ello Kaoma tuvo que indemnizar a Los Kjarkas con una suma de dinero que no se hizo pública.
Hicieron paso por la agrupación los músicos Edwin Castellanos y Fernando Torrico, que más tarde abandonarían el grupo para formar el dúo Tupay.
En 1990 editan el único álbum en el que no cantan, titulado “Ch’uwa yacu”. En 1992 el grupo se vio fuertemente resentido por la enfermedad del compositor Ulises Hermosa. Tras viajar a Estados Unidos, muere de un cáncer en Houston. Antes de morir concluyó su canción “El árbol de mi destino”. Al año siguiente Los Kjarkas publican el disco “Hermanos”, que incluye la composición del desaparecido Ulises “Tarajchi” pero con letra añadida por su hermano Gonzalo, que describe la historia y sentires de la familia Hermosa.
En los años 90 se incorporaron al grupo Ronaldo Malpartida, Eduardo Yáñez, Alcídes Mejía, Miguel Mengoa y José Luis Morales. Siguieron cosechando éxitos como “Señora su hija”, “Mi pecado”, “Ave de cristal”, “A los 500 años”, “La pícara” y “El líder de los humildes”.
En 1997 Los Kjarkas publican su primer vídeo “Por siempre…” en el que se televisa la presentación del disco en el Hotel Presidente.
El nuevo milenio trae importantes cambios en Los Kjarkas, el grupo se rejuvenece con nuevos y jóvenes artistas: Gonzalo Hermosa Jr. Lin Angulo y el japonés Makoto Shishido. Ello da un nuevo enfoque a las composiciones como “Lección de vida”, “Saya sensual”, “Kamanchaca” etc. En el año 2006 Los Kjarkas publican su último disco hasta el momento “35 años” que conmemora el aniversario de la aparición del grupo. En 2016 Los Kjarkas publican su disco "La Leyenda Viva", en conmemoración de sus 45 Años de carrera artística.
En 1995 Alcides es llamado a formar parte de la 2da restructuración de Kjarkas, puesto que el Proyecto “Pacha” tomó el tiempo de Elmer, Gastón, Edwin y Fernando, dejando en un largo receso de 1 año a Kjarkas, (tiempo y estrategia que usó Gonzalo Hermosa para sacar del grupo a Fernando Torrico y Edwin Castellanos), para luego al finalizar el Proyecto “Pacha” sólo Gastón y Elmer volvieran a reintegrarse al grupo. Fue un trabajo de más de 1 año, preparando el terreno para el re-lanzamiento y nueva restructuración de Kjarkas, además de preparar el repertorio tanto para el concierto, así como para el Álbum 25 Aniversario: “Kjarkas por Siempre” los que fueron realizados en la ciudad de La Paz Bolivia. Integrantes: Rolando Malpartida, Elmer Hermosa, Alcides Mejia, Gastón Guardia, Eduardo Yáñez y Gonzalo Hermosa “Kjarkas por Siempre” Álbum grabado en los Estudios Discolandia para el sello RCA en La Paz, Bolivia, en 1996 técnico: Fredy Roca Luego de más de 2 años de giras, ensayos, viajes, grabaciones, filmaciones y entrevistas.
Refundación
Teniendo algunas composiciones, Gonzalo Hermosa decide refundar el grupo con personas más jóvenes. Así llama al homónimo del fundador Edgar Villarroel en la voz y ronroco, Eddy Carpio en el charango, Antonio Canelas en la guitarra y Alcides Mejía en instrumentos de viento (quena y zampoña) quien será posteriormente y por muchos años integrante del grupo Savia Andina, otro grupo representativo del folclore boliviano. Gonzalo se limita a ser el director del grupo.
Durante algunos años, Los Kjarkas se dedican a perfeccionar un estilo de música propio, adaptando ritmos autóctonos a la estructura musical de ritmos criollos, dando prioridad a las intervenciones de instrumentos de viento y de ronroco, con arreglos corales. Es así que en 1975 se presentan en La Paz y empiezan a grabar al año siguiente su primer disco.
Plagios y polémicas en torno al tema «Llorando se fue»
El tema titulado «Llorando se fue» es una de las composiciones de los Kjarkas más utilizadas por otros artistas para interpretarlas en diversas versiones; en algunos casos protagonizando escándalos y procesos judiciales por plagio.
Uno de los casos más sonados fue el protagonizado por la agrupación brasileña-francesa Kaoma en 1989, la cual lanzara al mercado el tema Chorando se foi (conocido simplemente como «La lambada»). El caso fue ganado por Los Kjarkas quienes demostraron la autoría del tema y el plagio de la agrupación Kaoma,recibiendo una indemnización.
Posteriormente, en el año 2006, el dúo de reggaeton Wisin & Yandel habría utilizado una parte del tema en su canción Pam Pam; 4 años más tarde, en el 2010 Don Omar también utilizaría el tema con parte de su letra en castellano en el tema Taboo. A inicios del 2011, los artistas Jennifer López y Pitbull interpretaron el tema On the floor, en donde se utilizaba parte de la melodía del tema. En los casos de los temas «Taboo» y «On the floor» los artistas mencionan la autoría de los hermanos Ulises y Gonzalo Hermosa.
A lo largo del tiempo, el tema "Llorando se fue" llegó a recibir muchos más plagios que quizá no se hayan escuchado por la popularidad de los grupos y artistas que los copiaron,sin embargo todavía hay otras versiones más de intérpretes de la música electrónica como Bob Sinclair.
Miembros
Los Kjarkas, inicialmente estaba conformado por los hermanos Hermosa: Wilson Hermosa González, Castel Hermosa González y Gonzalo Hermosa González, y Edgar Villarroel. Con el transcurrir de los años, se han incorporado otros miembros como Elmer Hermosa González, Gastón Guardia, Edwin Castellanos, Fernando Torrico, Juan Carlos Rodríguez, Rolando Malpartida, Eduardo Yáñez Loayza, Miguel Mengoa, Yuri Ortuño (éste fue el único reemplazo de Élmer Hermosa en la historia de Los Kjarkas, el año 1981 durante la ausencia de Elmer por una gira que hizo junto a Raúl Muriel y Julio Lavayén al continente Europeo) José Luis Morales, Gonzalo Hermosa Jr., Lin Angulo, Makoto Shishido, Francisco Hurtado, Braulio Sánchez por mencionar algunos. También otro miembro importante de este grupo es Iván Barrientos, bajista e ingeniero de sonido quien desde hace más de 20 años trabaja con Los Kjarkas.
Fallecimiento de Ulises Hermosa
En 1992, el grupo se vio fuertemente resentido por la enfermedad de Ulises Hermosa, quien falleció víctima de cáncer en la ciudad de Houston. Antes de morir, concluyó la canción El árbol de mi destino, la cual fue publicada de manera póstuma por el grupo. Al año siguiente, Los Kjarkas publican el disco Hermanos, cuyo tema principal es la composición Tarajchi del desaparecido Ulises, pero con letra añadida por su hermano Gonzalo, que describe la historia y sentires de la familia Hermosa.
La tumba de Ulises Hermosa se encuentra en el Cementerio General de Cochabamba, Bolivia.
Nuevos Artistas
El nuevo milenio trae importantes cambios en Los Kjarkas incorporándose nuevos y jóvenes artistas como Gonzalo Hermosa jr hijo de wilson hermosa Gonzales, Lin Angulo y el japonés Maq'otu Shishido.
Nuevo milenio
Actualmente Los Kjarkas continúan con su éxito y reciben un Disco de Oro por la venta de 2 mil ejemplares de su última producción. Los Kjarkas en el año 2010 graban con el grupo Prisma una canción titulada "No te puedo olvidar" que fusiona los instrumentos tradicionales del primer grupo con los instrumentos electrónicos y el acordeón característicos del segundo.
Recientemente, algunos de los hijos de integrantes de Los Kjarkas han fundado el grupo musical llamado Chila Jatun ("Chila" = pequeño; "Jatun" = grande."de pequeño a grande"). Sus integrantes son Gonzalo Hermosa Camacho jr (Director Musical, Primeros Vientos) Jonathan Hermosa Andresen (Primera Voz, Ronroco), Huascar Hermosa Castro (Primera Guitarra), Ulises Hermosa Fernández (Segunda Guitarra), Luis Medrano Hermosa (Charango), Branly Yáñez Enríquez (Batería Acústica), Mario Orellana Olivares (Segundos Vientos) y Luis Hinojosa Heredia (Bajo Electrónico).
Discografía
1976 Bolivia
1977 Sueño milenario de los Andes
1979 Kutimuy
1980 Cóndor mallku
1981 Canto a la mujer de mi pueblo
1981 Desde el alma de mi pueblo
1982 En vivo desde Europa
1983 Sol de los Andes
1984 Pueblos perdidos
1985 Los Kjarkas desde Japón
1987 El amor y la libertad
1988 Chuquiago marka
1989 Génesis aimara
1990 Sin palabras (Ch'uwa Yacu)
1990 Los Andes descubrió su rostro milenario
1991 Tecno Kjarkas (recopilatorio en estilo tecno)
1992 El árbol de mi destino
1993 Hermanos
1994 A los 500 años
1995 Quiquin... Pacha (Por un mundo nuevo)
1996 Sentimiento Andino
1997 Por siempre
1998 Al carnaval
1998 El líder de los humildes
1999 El concierto del siglo (vídeo concierto)
2000 Kaluyos y pasacalles
2001 30 años en vivo desde Cochabamba (vídeo concierto)
2001 30 años solo se vive una vez (recopilatorio)
2001 Lección de vida
2001 Navidad en los Andes (Villancicos folklóricos)
2 Unlimited es una banda de eurodance originaria de Amberes, Bélgica y formada en 1991. El proyecto es una idea original de los productores belgas Jean-Paul DeCoster y Phil Wilde, y es cantada por un dúo neerlandés, el rapero Ray Slijngaard y la cantante Anita Doth.
Durante cinco años el dúo alcanzó una enorme popularidad en todo el mundo, con 16 éxitos en las listas, incluyendo especialmente "Get Ready for This", "Twilight Zone", "No Limit", "Faces" y "Tribal Dance".
Durante su carrera, han vendido 18 millones de discos en todo el mundo. A pesar de que disfrutaron de una notoriedad menos corriente en los Estados Unidos, muchas de sus canciones se han convertido en temas populares de los eventos deportivos de ese país, en particular la NHL.
Historia
En 1990, los productores belgas Jean-Paul DeCoster y Phil Wilde habían ganado éxito previamente con AB Logic, y buscaban otra forma para que sonaran las canciones que componían. 2 Unlimited se formó cuando DeCoster y Wilde llevaron al rapero Ray Slijngaard (nacido el 28 de junio de 1971, en Ámsterdam, Países Bajos) y la vocalista Anita Doth (nacida el 28 de diciembre de 1971, en Ámsterdam) a Marvin D, quien había ofrecido a ambos entrar en su grupo de rap en el pasado.
Por lo tanto 2 Unlimited fue creado por estos dos productores, quien también escribió la mayoría de las canciones. Las canciones fueron interpretadas por Ray y Anita entre 1991 y 1996, y por Romy y Marion en 1998. 2 Unlimited llegó a ser el primer híbrido entre hardcore, underground y el pop.
El fenómeno tecno/dance/pop 2 Unlimited fue uno de los grupos más populares de Europa durante los comienzos de la década de 1990, vendiendo 18 millones de copias y llegando al número 1 de las listas de cada país europeo (en Reino Unido llegaron 11 veces consecutivas a lo más alto de la tabla). En Estados Unidos, sin embargo, no tuvieron tanta popularidad, llegando solo al lugar 38 a finales de 1994 con Get Ready for This, dos años después de su lanzamiento, sin embargo en las listas dance sí se colocaron en los primeros 5 lugares.
En 1991, el primer sencillo, titulado Get Ready for This alcanzó el número 2 en varias listas de éxitos europeas. En 1992 se lanzó el álbum Get Ready, que vendió medio millón de copias en Estados Unidos (donde gustó mucho la canción muy bailable Twilight Zone) y más de dos millones en todo el mundo.
El éxito modesto de los primeros sencillos preparó el camino para el álbum de 2 Unlimited de 1993, No Limits. La canción No Limit, extraída de dicho álbum, llegó al número uno en 15 países europeos más Canadá, y otros sencillos del álbum también tuvieron éxito, incluyendo Tribal Dance, Faces, Maximum Overdrive y Let the Beat Control Your Body.
En 1994 salió a la venta el álbum Real Things, y los sencillos The Real Thing, No One y Here I Go continuaron con la fabricación de éxitos. El álbum de grandes éxitos Hits Unlimited fue el último lanzamiento del grupo, pues Ray lo abandonó para dirigir X-Ray Label y Anita inició una irregular carrera como solista pop y funk.
A destacar que el concierto más multitudinario de Anita desde entonces, en 2004, consistió en realizar un playback con los éxitos de 2 Unlimited. Posteriormente estuvo en programas de radio y televisión (domina el inglés, francés y alemán) aunque también grabó varios sencillos en castellano, como Faces, Let the Beat Control Your Body, Here I go, entre otros. Después grabó con Mad Cobra.
Son conocidos por un público más joven en Europa, Estados Unidos, Australia, Japón, Canadá e Hispanoamérica, gracias a su aparición en el juego Dance Dance Revolution con sus canciones Twilight Zone, Maximum Overdrive, No Limit y Tribal Dance, y por la aparición de breves cortes en películas como Space Jam o Destino Final 3.
Pero la sorpresa salta en 2009 cuando Ray y Anita volvieron a estar juntos en directo el 11 de abril en Bélgica, donde interpretaron sus éxitos de 2 unlimited.
En 2012 Ray y Anita regresaron oficialmente como 2 Unlimited.
Aporte a la música dance
2 Unlimited representó un hito en la historia de los géneros musicales tecno y eurodance. Es imposible hablar de la música del período 1991-1996 sin mencionar a este grupo como máximo exponente de la corriente electrónica, vital para el entretenimiento juvenil y discotequero de muchos países europeos (no solo España, Francia, Reino Unido, Bélgica, Países Bajos, Italia o Alemania, sino también un gran número de países de Europa Oriental), llegando a tener un importante éxito en Canadá, Hispanoamérica e Israel. Sus temas (compuestos en su mayoría por DeCoster y Wilde) algunos de ellos míticos para estos estilos de música, introdujeron nuevos sonidos, ritmos y perspectivas a la hasta entonces estancada música electrónica. Get Ready for This, Maximum Overdrive, Tribal Dance, Burnin' Like Fire, Let The Beat Control Your Body, Here I Go, Jump For Joy y, sobre todo, No Limit y Twilight Zone son algunas de las canciones que han alcanzado la categoría de clásicos para los melómanos del tecno.
La hábil conjugación de rap, rhythm & blues, pop y funky con el eurodance clásico, las entonces emergentes corrientes del house, el hardcore y los novísimos (en aquella época) mákina, trance y jungle, junto a un personal estilo y a unas cuidadas puestas en escena, supusieron un cambio de rumbo para la industria discográfica dirigida al público adolescente en la década de 1990 y modificaron las pautas que debieron seguir los grupos y solistas posteriores. Herederos (y contemporáneos) de Snap!, Technotronic, Dr. Alban, Rozalla y Ace of Base, es indudable la influencia de 2 Unlimited en otros conjuntos famosos como Scooter, Aqua, Culture Beat, Whigfield, Melodie MC, Corona, Cappella, Captain Hollywood Project, Masterboy, Twenty 4 Seven, y un sinnúmero de DJ, etc.
Una buena parte de sus sonidos, que no fueron patentados, han sido utilizados en numerosísimos temas posteriores, y sus canciones han sido versionadas más que las de cualquier otro grupo tecno (caso extrañísimo en el género, que suele basarse en gran medida en versiones de temas de rock and roll, pop, jazz..., pero raras veces techno o dance). Al contrario que casi todos los conjuntos arriba mencionados, 2 Unlimited nunca sacaron una versión propia de una canción de otro grupo, habitualmente de los 60, 70 u 80.
2 Unlimited ostenta el récord de ser el grupo musical que más canciones ha aportado a los álbumes recopilatorios anuales españoles (Blanco y Negro Mix, Bolero Mix, Máquina Total, etc). Incluso las coreografías y performances del grupo marcaron un antes y un después (el saltito de David Bisbal fue inventado por Ray Slijngaard allá por 1993, y es evidente la influencia del grupo belga-neerlandés en las efectistas puestas en escena de, entre otros, Shakira, Chayanne o Ricky Martin).
BioMetal (banda sonora del videojuego)
BioMetal es un videojuego creados por el estudio japonés Athenade de estilo "shoot 'em up" que salió para la consola de Nintendo en 1993. Para la versión americana de este juego, fue Activision, quien se encargó de distribuirlo también para Europa, cambiaron el soundtrack del videojuego original por algunos temas del álbum de 2 Unlimited Get Ready!. Entre los temas que destacan son "Twiling Zone" y "Get Ready!".
2 Unlimited II
En 1998, DeCoster y Wilde, asociados con Xavier Clayton y Peter Bauwens, compusieron varios temas nuevos en Bélgica para 2 Unlimited, ahora formado por las cantantes neerlandesas Romy Van Ooyen y Marjon Van Iwaarden. Los diez temas del álbum, titulado II, eran consecuentes con el estilo del que el grupo hizo gala en su día, pero a pesar de la indudable calidad e impecable factura musical de alguno de ellos (léase The Edge of Heaven, Never Surrender —2 Unlimited en estado puro—, Someone To Get There —ídem—, I Am Ready o Be Free Tonight), el disco no tuvo demasiado éxito. Publicado en Bélgica bajo el sello de Byte Records y por Mission Control en el Reino Unido, fue lanzado en España de la mano de Blanco y Negro, como los cuatro discos clásicos y los sencillos del genuino 2 Unlimited. En el recopilatorio de 1999 Best Unlimited, aparecen tanto canciones del grupo clásico como cinco temas del disco II.
En 2005 salió al mercado un DVD titulado The Complete History: 2 Unlimited, que contaba también con un CD recopilatorio: The Best Of.
En 2007 fue lanzado un Greatest Hits Remix del grupo, pero en realidad se trataba de un recopilatorio apócrifo publicado por una discográfica australiana que no contaba con permiso de Jean-Paul DeCoster, copropietario de los derechos de autor y de todos los derechos del nombre de 2 Unlimited. Este hecho fue denunciado por la asociación oficial de fans del grupo con una declaración titulada, como no podía ser de otro modo, The Real Thing.
2 Unlimited en Chile
En 1996, en el XXXVII Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, Ray y Anita realizaron la apertura del festival, donde cantaron sus canciones más conocidas, entre ellas, Nothing Like The Rain, Get Ready for This, Tribal dance, No Limit, Let The Beat Control Your Body, The Real Thing, Here I Go (en castellano), etc. y terminaron con una versión especial y muy pegajosa de Jump For Joy (Digidance Happy Hardcore Edit), donde toda la Quinta Vergara se revolucionó incluso Ray se colocó una camiseta con la bandera de Chile.
El 7 y 8 de diciembre de 2007, 2 Unlimited pisan Chile por segunda vez, presentándose en varias discotecas de Santiago, una de ellas llamada Blondie haciendo vibrar a muchos de sus fanes que vinieron de muchas partes del país haciendo sonar muchos temas conocidos como: Tribal Dance, No limit, Get ready for this, Here I go, The real thing y muchos otros éxitos más.
Reuniones
Habiendo ambos continuado con sus carreras con sus viejos éxitos por separado en clubes nocturnos y reuniones de estudiantes universitarios alrededor del mundo, los integrantes originales Ray y Anita se reúnen el 11 de abril de 2009 para cantar juntos por primera vez después de 13 años en el concierto I Love 90's en Hasselt, Bélgica. Según una entrevista con Ray, Jean-Paul DeCoster se negó a dar permiso para que el dúo cantara bajo el nombre de 2 Unlimited, sin embargo Phil Wilde entendió la importancia y les dio ayuda preparando las pistas de apoyo.
El 30 de abril de 2009, Ray y Anita cantaron 5 canciones en el concierto de Radio 538 en Museumplein, en Ámsterdam. El 8 de junio del mismo año, ellos fueron premiados con el Most Popular Act of the 1990s, basados en el número de semanas en los Top 40 neerlandeses y el 25 de septiembre, ellos cantaron como apoyo al grupo Milk Inc. en el Sportpaleis de Amberes, Bélgica.
Durante una entrevista en la televisión holandesa en 2009, tanto Ray como Anita admitieron que tuvieron una relación durante los tiempos de 2 Unlimited.
El 29 de diciembre de 2009, anunciaron que el dúo lanzaría un nuevo sencillo en 2010 llamado In da name of love bajo el nombre de Ray & Anita. El viernes 22 de enero de 2010 fue lanzado oficialmente de mano de su discográfica Spinin' Records conteniendo la versión Edit y Extended, aunque tiempo atrás ya estaba disponible en la tienda iTunes y en el sitio de la Radio 538. El vídeo se estrenó el 30 de enero y puede verse en Youtube.
Por otra parte, Romy y Marjon, las cantantes de la segunda encarnación de la banda, también anunciaron un nuevo sencillo casi al mismo tiempo que Ray y Anita, llamado I Said Yes bajo el nombre de TWO. Pero fue aplazado y no hubo novedades al respecto. Aunque TWO finalmente sí publicó un tema, en 2011, llamado Wonder why.
El 11 de enero de 2010 se anunció que Anita padece de cáncer de mama. Estuvo bajo tratamiento para curar esta enfermedad y dijo a la prensa que continuará cantando con Ray, sin embargo, no tan seguido.
En agosto de 2011 lanzaron su segundo sencillo como Ray & Anita: Nothing 2 lose.
2 unlimited de vuelta
Jean Paul DeCoster, tras reunirse con Ray y Anita, les cede el nombre de 2 unlimited, que será como se vuelvan a denominar desde ese momento.
El 6 de marzo de 2014 se presenta un adelanto promocional del tema Shotgun de Yellow Claw, que originalmente fue interpretado por Rochelle. Pero en esta nueva remezcla es interpretado por 2 unlimited.
Discografía
Álbumes
1991 Get Ready For This (maxi sencillo, hito en la historia musical, pues el CD contaba con 19 versiones).
1991 Get Ready (primer álbum, con 14 temas). Primera edición.
1992 Get Ready (segundo álbum, con 17 temas, con algunas remezclas del anterior). Segunda edición.
1993 No Limits! (tercer álbum, lanzado el 10 de mayo, con 14 temas).
1993 Megahits (primer recopilatorio).
1993 Remixes (primer recopilatorio de versiones).
1994 Real Things (cuarto álbum, lanzado el 6 de junio, con 13 temas).
1994 Sin Límites (primer recopilatorio de versiones en castellano).
1995 Hits Unlimited (quinto álbum, lanzado en octubre, sólo 3 temas nuevos y varios clásicos).
1996 Hits Unlimited - (versiones en castellano, recopilatorio para Hispanoamérica).
1996 Spread Your Love (último sencillo, con las habituales versiones en castellano y del reputado DJ de Sash!).
1998 II (sexto álbum, esta vez con dos nuevas artistas, Romy y Marion, que "reemplazan" a los históricos).
1999 Best Unlimited (híbrido con temas clásicos y canciones de 2 Unlimited II).
2000 No Limit Millenium Remixes.
2000 Twilight Zone Millenium Remixes.
2002 Special Edition Trance Remixes.
2003 No Limit: The Complete Best Of.
2004 Tribal Dance 2.4.
2004 The Complete History.
2005 The Best Of.
2007 Greatest Hits Remix (versiones sin consentimiento de los autores).
Amanda Antonia Miguel Samso (Gaiman, 1 de junio de 1956) es una cantante, compositora, pianista y empresaria argentina. Estuvo casada con el cantante Diego Verdaguer, con quien tuvo una hija también cantante, Ana Victoria.
Con más de 36 años de trayectoria artística, Amanda Miguel tiene 12 discos de estudio lanzados al mercado. Ha vendido millones de discos en todo el mundo y es acreedora a múltiples certificaciones disco de oro y Disco de Platino.
Biografía
Inicios artísticos
A los 4 años de edad, Amanda aprendió a tocar el piano. A los 16 años, se mudó a Buenos Aires para estudiar en el Conservatorio Alberto Williams, hasta recibirse de Profesora de Teoría y Solfeo y Profesora Superior de Piano y Composición. También estudió canto con Liana Lecuona.
En marzo de 1975, Amanda conoció en Buenos Aires al cantante Diego Verdaguer. Para ese entonces, Verdaguer ya era reconocido. Verdaguer la invitó a participar como corista de sus presentaciones en Argentina, donde también participó la cantante argentina Valeria Lynch. Con él realiza una gira en toda Latinoamérica.[cita requerida] En 1978 se mudó a México y se nacionalizó en el año 2000.
Debut
En 1979, Diego Verdaguer decide producirle sus primeras grabaciones a Amanda y lanza al mercado su primer álbum sencillo Papá, cuando regreses, con el sencillo Tengo que confesar que lo amaba. En 1980, Amanda graba su segundo sencillo titulado Así no te amará jamás, mismo con el que consigue ubicarse en el primer plano internacional por su estilo interpretativo único, desgarrador y diferente.
Los años 1980 y su trilogía El Sonido
Motivado por la buena aceptación de ventas, Verdaguer decide producirle a Amanda su primer álbum El Sonido Volumen 1 en 1981, donde incluye su segundo sencillo Así no te amará jamás y su tercer sencillo Él me mintió, el cual tuvo trascendencia internacional. En este primer álbum también están incluidos los éxitos Quiero un amor total, Mi buen corazón, Hagamos un trato, ¿Quién será?, Donde brilla el sol, Siempre te amaré y Amanda al piano 1. Con su primer álbum, Amanda vendió más de 3 millones de copias, convirtiéndose en una de las artistas femeninas más vendedoras del siglo.
En marzo de 1983, Amanda graba El Sonido Volumen 2, del cual se desprenden los éxitos Amanda al piano II (Tempestad), Castillos, Poquito a poco, Como un títere, Cosquillas en el pecho, Igual que un avión y A mi amiga, colocándose inmediatamente en los primeros lugares de popularidad y ventas.
En octubre de 1984, Amanda graba su tercera producción discográfica El Último Sonido Volumen III. Los temas Dudas, Las pequeñas cosas y El gato y yo, se convierten nuevamente en éxitos, mientras Amanda estaba en la espera de su hija, la actual cantante Ana Victoria, a quien le dedica el tema Canción de cuna al revés con Amanda al piano III.
En febrero de 1985, se presenta con Diego Verdaguer en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar. Dos meses después, participa en el proyecto Hermanos, interpretando el tema Cantaré, cantarás, con artistas como Roberto Carlos, Plácido Domingo, Vikki Carr, José Feliciano, Vicente Fernández, Celia Cruz, Julio Iglesias, Rocío Jurado y José José, entre otros.
Desarrollo como empresaria y la visita del Papa Juan Pablo II
Durante 3 años, Amanda se dedicó completamente a los primeros años de vida de su hija Ana Victoria. Debido a los fuertes cambios que sufría su industria musical, Fonovisa Records, Amanda abre junto a Diego Verdaguer su propia compañía productora y discográfica, Diam Music (Di por Diego y Am por Amanda). En 1987, Amanda ofrece su cuarta producción discográfica El pecado, con los temas Lo ví, Ojos de alquitrán, No te vayas a morir, ¿Qué me das?, Si yo fuera tú, La carcajada y Calla, el silencio es sagrado (memories).
En 1989, lanza su quinto álbum titulado El rostro del amor, otro gran éxito en su carrera, que con la bendición del Papa Juan Pablo II, representó oficial y musicalmente su 2º visita pastoral en todo el territorio mexicano.
Incursión en la música mexicana y los conteos musicales americanos
En 1992, Amanda graba su primer álbum ranchero Rompecorazones, bajo la dirección del compositor mexicano Federico Méndez. Este álbum convirtió canciones en éxitos, como Rompecorazones, La escalera, El viernes se acaba todo, En la feria de Jalisco, La misma gran señora y A nuestra querida Lola.
En 1996, Amanda graba en Italia su séptimo álbum Ámame una vez más, bajo la dirección de su esposo Diego Verdaguer y el productor italiano Gianni Salvatore, rompiendo todos los esquemas en las listas de popularidad en los Estados Unidos, ya que logra colocarse en los primeros lugares de la prestigiosa lista del Billboard durante 18 semanas consecutivas. De este álbum surgieron los éxitos Ámame una vez más, Mar adentro, Duende, Dónde estás, Eso se llama amor, Media hora, Ya lo sabías, Cenizas, Mi primer amor y No respondo.
En 1999, graba nuevamente en Italia su octavo álbum titulado 5 días, del cual se desprenden los temas Cinco días y Así como hoy, del compositor panameño Omar Alfano.
Regreso a los estudios de grabación con 80*15
En abril de 2015, Amanda lanza al mercado su duodécimo álbum 80*15, el cual contiene varios de sus más grandes éxitos con nuevos arreglos musicales, combinado con canciones inéditas. La producción de 80*15 corrió a cargo de su esposo Diego Verdaguer, quien incorporó en algunas canciones la voz original de Amanda y otros elementos de las grabaciones originales. También incluyó la participación especial del rapero mexicano Big Metra.
80*15 llegó al Top 20 en tiendas digitales durante su pre-venta, acompañado del sencillo Hagamos un trato, en los primeros lugares de las emisoras de radio mexicanas. En abril de 2015, se llevó a cabo su físico lanzamiento digital en México, Centroamérica y los Estados Unidos, seguido del tema Vaya pedazo de rey, una canción inédita de su autoría.
Premios y reconocimientos
1983: Premio a la canción del año (Siempre en Domingo ).
1984: Premio a la canción del año (Siempre en Domingo ).
1985: Premio a la canción del año (Siempre en Domingo).
1992: 2do lugar en Premios lo nuestro por el videoclip "Volvamos a empezar"
1996: Premio a la canción del año en Costa Rica con el tema "Ámame una vez mas".
1997: Premio al mejor Pop Hot Latin Track del año con "Ámame una vez más" en los Billboard Music Award.
2009: Reconocimiento como "Máximo orgullo hispano" por la Asocasión Internacional de Periodistas de Estados Unidos.
2011:Reconocimiento "Trayectoria 25 y más..." otorgado por la Sociedad de Autores y Compositores de México.
2016: Galardón Tierra Amarilla en Chile.
Competencias y Programas de T.V.
1985: Viña del Mar
Amanda fue una de las concursantes de Viña del Mar de 1985 dónde también participó Diego Verdaguer, siendo del total agrado del público de la quinta vergara.
2006: Cantando por un sueño (México)
Amanda participó en este como asesora de Manuel Landeta y Mónica Chávez y compitiendo con cantantes asesores de su misma talla. Desafortunadamente su equipo fue eliminado en semifinales quedando en 4to lugar.
2008: El show de los sueños (México)
Amanda fue jurado al lado de Lupita D'Alessio, calificando el desempeño en la disciplina de canto, además de un duelo de canto para defender un sueño contra a D'Alessio en donde Amanda resultó ganadora recibiendo el 61% de votos del público.
2013: Parodiando (Segunda temporada)
Fue una de las críticas oficiales del concurso al lado de Carmen Salinas, Gilberto gless, Juan José Origel.
2015: Parodiando (Tercera temporada)
De nuevo formó parte del panel de críticos del programa junto con Adrián Uribe y César Bono
Discografía
Álbumes de estudio
2015: 80*15
2008: Anillo de compromiso
2005: Piedra de afilar
2004: Feliz Navidad a toda la humanidad
1999: 5 días
1996: Ámame una vez más
1992: Rompecorazones
1989: El rostro del amor
1987: El pecado
1984: El (Último) Sonido Vol. III
1983: El Sonido Vol. 2
1981: El Sonido Vol. 1
1979: Papá, cuando regreses
Álbumes en vivo
2020: Solita y sin ataduras (CD+DVD)
2011: Mexicanos Vol. 2 (CD+DVD con Diego Verdaguer y Ana Victoria)
2010: Mexicanísimos Vol. 1 (CD+DVD con Diego Verdaguer y Ana Victoria)
2007: El mejor show romántico de América (CD+DVD)
2005: Siempre fuimos dos (CD+DVD con Diego Verdaguer)
Sencillos
Lista de sencillos y promocionales, de acuerdo a su posición, año y álbum
